Jukebox Heroes

La década de los noventa había comenzado. Era el mes de agosto cuando la banda Extreme, lanzaba su segundo disco, llamado Pornograffitti. Extreme era una banda que se había formado a mediados de los ochenta y catalogaba su estilo como “funky metal”. Su álbum debut, homónimo de la banda, alcanzó ventas aceptables, con su sencillo “Kid Ego” y la canción “Play With Me”; una maravilla guitarrística, si me permiten decirlo: el guitarrista, Nuno Bettencourt, se lucía con una intro a la Mozart y todo.

Pero estamos ya en la década de los noventa. Extreme se propone un segundo álbum más ambicioso: una especie de disco conceptual (aún no sé si usar la palabra rock-opera) que vaya siguiendo una línea narrativa, contando una historia que lleve a un personaje desde la decadencia al amor. Pues bien, este personajito tuvo la suerte de tropezar en su camino con una baladita acústica que llevaba por nombre “More than Words”, que fue elegida como sencillo, con video para MTV y todo.

Señores, bienvenidos al acabóse. Muy pronto, “More than Words” estaría sonando hasta en la sopa. Los riffs espectaculares de Nuno Bettencourt y la voz poderosa de Gary Cherone se verían disminuidos a una sesión acústica. ¿Y que hay del bajo y la batería? Nada. Paul Geary y Pat Badger no hacían otra cosa en el video más que añadir el momento humorístico, agitando sus encendedores.

Esa fue la cúspide y la caída de Extreme. El álbum que siguió a Pornograffitti, llamado III Sides to Every Story, definitivamente no vendió lo que su predecesor. La banda, aunque tuvo un reencuentro el año pasado, se deshizo en 1996; su baterista original ya no estaba. Sin embargo, nos dejaron “More than Words”, y la canción seguía apareciendo en cuanta recopilación de canciones de amor saliera al mercado. De hecho, no creo que deje de aparecer. Y por si fuera poco, la boy band irlandesa, Westlife, le hizo un cover. Un golpe duro a una banda de metal; una canción inmortal que destruyó su carrera, y quizá su credibilidad. Y no sólo eso: enterró a su lado B, otra balada que yo pienso superior a “More than Words”: se llama “Holehearted”. Si la consiguen, escúchenla, vale la pena. Le harán un favor a Extreme.

 The Jonas Brothers, Jonas Brothers

Los nuevos niños dorados del pop… tendré que admitirlo, no le hacen nada a alguien que alguna vez conoció a los Hanson. Estos muchachos, a pesar de estar recibiendo millones por abrirle los conciertos a la nueva esclava (perdón, estrella) de Disney, Miley Cyrus (ya nadie recuerda a su padre… él cantaba una canción llamada “Acky Breaky Heart”… escúchenla, si pueden; sabrán un gran secreto de la cultura fiestera)… bueno, no aportan nada al pop.
Entre los hermanos, hay un muchacho de quince años; bien, hagan de cuenta que todas las canciones las escribió él, pues no salen de la situación, insoportablemente común, de: “conozco a la chica”, y sus dos consecuencias: “ella me ama ahora-ella me rompió el corazón”. Digo, ya sé que así se hacen los grandes poemas, pero es que hasta la forma de narrar la situación simplemente no varía. Las únicas canciones con letras sobre temas distintos son “That’s Just the way we Roll” que habla, ya saben, de lo diferentes y cool que son, y “Year 3000″, una rolita divertida, pero definitivamente no algo que se pueda llamar “witty”.
 Asimismo, el sonido es esa mezcla de ritmo popero y guitarras supuestamente duras de rockeros wannabe; por lo que las baladas resultan ser lo más agradable, sobre todo la acústica “Hello Beautiful”. Las voces… hasta recuerdan a Taylor Hanson en su adolescencia. Por lo demás, no hay demasiada sustancia. Qué bueno que son guapos, que bueno que se juntan con Miley Cyrus. Y ya. Yo seguiré escuchando a los Hanson.
Satisfaction: 38%
Recomendaciones:

-¡Fans de la Cyrus! Nuevo material en qué gastar el dinero.
-Por favor, cómprenlo sólo si son poperos de corazón. Digo, para todos hay. Pero esto no es para quien tenga gustos finos, y mucho menos para quienes se jactan de su biblioteca musical intachable.

Una mala noticia para los que tienen el Remasters: prácticamente nada nuevo bajo el sol. Esta nueva recopilación, considerada la “ultimate”, es una versión del Remasters corregida, con dos canciones que fueron ignoradas y ahora incluidas en este Mothership: “When The Leevee Breaks”, la poderosa canción que cierra el legendario cuarto álbum, sustituyendo a “The Battle of Evermore”, y el dechado de virtud musical “Over The Hills and Far Away” es el encargado de sustituir a la balada “The Rain Song”, pero fuera de eso, hasta el orden de las canciones es parecido.
Lo que es un gran acierto es la inclusión del DVD, pues contiene 20 (¡20! ¡muchas!) canciones elegidas con mucho cuidado: digamos que las mejores de sus presentaciones. El problema: que si ya tienes el grandioso DVD que se titula simplemente Led Zeppelin, inmediatamente reconocerás estas presentaciones, pues son sacadas directito de ese mismo DVD.
Así que, como pueden ver, para los fans de Led Zeppelin, este disquito (que seguro irá a parar a sus colecciones; me consta) no ofrece nada diferente; sin embargo, para cualquiera que desee iniciarse en este grupazo, es el regalo perfecto. No puedo quitarle ese mérito.
Satisfaction: 80%
Recomendaciones:

-¡Fans de Led Zeppelin! Tal vez no deberían… pero se lo van a comprar. Es obvio.
-Para los iniciados, insisto: el regalo perfecto. Procuren conseguir la que trae el DVD.
-Si estaban planeando ponerle las manos encima al <em>Remasters</em>… mejor compren éste. A menos de que quieran comprar la caja cuádruple del <em>Remasters</em>. Esa está mucho mejor.
-¿Que no lo vas a comprar? Ja, debes estar bromeando si no te gusta Led Zeppelin. ¿Es eso posible?

Corría el año de 1997, y una chica (con las axilas no muy bien rasuradas) cantaba a todo volumen: “Where Have All the Cowboys Gone?” Esa misma chica ganaría un Grammy, el Grammy de Mejor Artista Nuevo, ese mismo año y encontraría éxito financiero con lo que se volvería el tema de la serie Dawson’s Creek: “I Don’t Want to Wait”. Fue ahí cuando empezó a sonar el nombre de Paula Cole. El disco se llamaba This Fire, y aunque la chica ya había lanzado un disco anterior, llamado Harbinger, aquí comenzó la gran fama.

“I Don’t Want to Wait” se volvió un éxito inmediato tras la entrada a la serie: no sólo se hizo de su lugar en el soundtrack de James van der Beek y compañía, sino que también se cóló en todas las recopilaciones posibles, en todas las horas de radio y hasta en la sopa.  El propio van der Beek confesó haber amado la canción y odiarla después, como pasó cuando todo el mundo se empezó a hartar de ella. El álbum desapareció de las listas de popularidad, dejando a la gente esperando el próximo disco de Cole… que resultó no ser lo que se necesitaba para superar al éxito de televisión. Amen, un disco más bien influido por la religión, no fue muy bien recibido por la radio, y Paula Cole desapareció tras ese lanzamiento. En el 2006 lanzó un recopilatorio de éxitos, algo que despertó las lenguas de los escépticos; la única canción que podía venir en ese disco era su gran apoyo y al mismo tiempo asesina de su inspiración, “I Don’t Want to Wait”.

En el 2007, Paula Cole lanzó su álbum Courage, del cual no se han tenido noticias en nuestro país. Podremos seguirla considerando desaparecida, y pondremos nuestros soundtracks de Dawson’s Creek una vez más.

“I Don’t Wanna Wait”, incluida en el álbum This Fire.

Foo Fighters, Echoes, Silence, Patience & Grace

Lo que a primera oída (sobre todo después de escuchar los sencillos “The Pretender” e “Erase/Replace”) parece sólo otro paso aceptable en la carrera de Dave Grohl y compañía, cambia después de escuchar todo el disco, que es una grata sorpresa. Y es que los Foo usan toda la sabiduría que han adquirido a lo largo de su carrera, por lo que no todo son canciones con gritos, sino rolas también al estilo “Times Like These”, como “Long Road to Ruin”, baladas enteramente disfrutables (”Stranger Things Have Happened”, “Statues”), experimentos pop-rockeros (”Summer’s Gone”) y hasta lo que parece una broma a los llamados emo (”Cheer Up Boys (Your Makeup’s Running”)).
Sin embargo, uno de los momentos más brillantes es cuando Dave Grohl le hace tributo a una de sus bandas favoritas: la instrumental “Ballad of the Beaconsfield Miners” es definitivamente ledzeppeliniana (ciertas reminiscencias de “Bron-Yr-Aur”); mientras que “Home”, la canción que cierra el disco, es una canción tranquila, llevada por un piano delicioso, lo que hace que el disco termine no sólo de una manera agradable, sino con un excelente contraste entre el rock pesado de la canción inicial, la ya mencionada “The Pretender” y esta última.
La verdad, un gran disco, donde todas las canciones tienen un sonido propio y cada una se vuelve una pieza atractiva por sí misma. Digamos que el álbum tiene el acierto de que la mayoría de las canciones podrían ser sencillos (algo que también tenía el legendario Hysteria de Def Leppard): de hecho, me parece que las rolas más desafortunadas, irónicamente, fueron las elegidas para promoverlo. Pero escuchar este disco completo definitivamente vale la pena.
Satisfaction: 92%
Recomendaciones:

-Cualquier fan de los Foo Fighters debe tenerlo.
-También es una excelente oportunidad para conocer esta banda si no habías oído nada de ellos, o para comprarte este disco si lo único que tenías eran canciones aisladas.
-Aunque Dave Grohl haya formado parte de los grungeros emblemáticos Nirvana, no necesitas ser fan de esta banda para disfrutar el disco.
-Si los trabajos anteriores de los Foo no te han convencido, en verdad se merecen otra oportunidad con este disco.
-A menos que de plano no te guste el rock. ¿Qué clase de persona eres?

Varios Artistas, Butchering the Beatles

Desde la portada prohibida de los Beatles manchada con una carnicera parodia, sabemos qué es lo que nos vamos a encontrar en este disco: guitarras a todo volumen que nos ponen a headbangear al ritmo del cuarteto de Liverpool, además de un tremendo menú de luminarias del heavy metal que van desde Alice Cooper hasta John Bush de Anthrax, dándole honor a quien honor merece.
Sin embargo, los covers, a pesar de tener un sonido más heavy, no están deformados: todos los presentes respetan mucho las composiciones originales. Por ejemplo, Lemmy, el mítico frontman de Motörhead, le baja a los alaridos que caracterizaron el exitazo “Ace of Spades” a la hora de interpretar “Back in the USSR”, e incluso “I Saw Her Standing There” no pierde su ritmo de rocanrol bajo las manos del guitarrista de Poison CC DeVille. Asimismo, el cover de “Hey Jude”, bajo la tremenda voz del ex Judas Priest y vocalista de Iced Earth, Tim “Ripper” Owens, aunque no tenga la suavidad de McCartney, es interpretada con mucha pasión.
El único que se ve un poco perdido es Billy Idol con su cover de “Tomorrow Never Knows”, quizá haciéndola sonar un poco más heavy de lo que debería sonar, mientras que Yngwie Malmsteen no se puede aguantar y le avienta cuanta guitarra puede a “Magical Mystery Tour”, aunque no por eso el cover es malo.
En resumen, tenemos aquí un muy buen álbum tributo, hecho por grandes artistas. Es disfrutable en su totalidad… claro está, si te gustan el metal y los Beatles.

Satisfaction: 94%
Recomendaciones:

-Si te gustan tanto el metal como los Beatles, pero mucho, cómpratelo.
-Por cierto, si alguien lo consigue en original, dígame dónde lo venden.
-Si eres muy fan de los Beatles, estoy segura de que este disco no faltará en tu colección…
-A menos de que seas un fan demasiado purista.
-Tampoco te le acerques si te gustan los Beatles por cultura general pero no te late el metal. Mejor cómprate recopilaciones de los puros Beatles.

The White Stripes, Icky Thump

Este peculiar dúo no ha traicionado su sonido: lo que podremos escuchar aquí es su misma mezcla de blues rudo-casi-punk y su influencia ledzeppeliniana. Sin embargo, la banda reitera su calidad dándonos un disco que, como los anteriores, no es más de lo mismo: ahora incursionan en los sonidos folk (”Prickly Thorn, but Sweetly Worn”) o hasta una confusión extrema de voces y golpes (”St. Andrew (The Battle is in the Air”).
Las demás canciones son un derroche de calidad con el sello de la casa, de pronto arriesgándose a meter un órgano psicodélico por ahí, una gaita por allá… tal parece que de los colores primarios del De Stijl, el blanco y el rojo, los Stripes han pasado por el negro en sus discos anteriores, y con éste nos dan una probadita de azul, por así decirlo, sonando muy elaborados aunque sólo sean un ejército de dos.
Para los fans y los amantes de las guitarras pesadas, canciones como “Icky Thump” (el sencillo) o “Little Cream Soda” serán todo un deleite auditivo.
Lo que sí, es que con el disco hay que andarse con cuidado, porque a la primera escuchada puede resultar desconcertante, sobre todo para quien no esté acostumbrado al sonido de los Stripes. Pero no hay que irse con las primeras impresiones: The Velvet Underground (aunque la comparación sea arriesgada) hizo un disco que también sacaba de onda a la gente y ahora es toda una joya. Y puede que The White Stripes estén en camino de lograr un disco similar, que logre romper la barrera del tiempo siendo único. Por lo pronto, su fórmula les ha funcionado bien y no decaen.

Satisfaction: 90%

Recomendaciones:

-Cualquier fan de los Stripes debe tenerlo entre sus manos.
-Si eres un iniciado en el rock, recuerda lo que dije de que el disco podía desconcertarte. Te recomiendo que empieces con alguno de los discos anteriores, quizá el Elephant,  gran disco también.
-Pero si el rock te da miedo… este disco puede ser tu peor pesadilla.

Varios artistas, Transformers the Album

Lo primero que uno piensa al escuchar las canciones del soundtrack de esta película es que definitivamente se escuchan muy bien con su fondo de acción, pero cuando les toca formar un todo por sí mismas… el resultado no es demasiado bueno.
Olvidándose de la década que los vio nacer, el disco de los Transformers es una mezcla de nü metal, emo y rock alternativo, y eso a su vez se divide en dos: las bandas “ya consagradas” como Linkin Park y Smashing Pumpkins, por citar algunos nombres, y los novatos Armor for Sleep e Idiot Pilot, pasando por los no muy nuevos ni muy viejos Taking Back Sunday.
El disco abre con las bandas “mayorcitas”, quienes, por cierto, son las que juegan mejor sus cartas… sin contar a Linkin Park y a Disturbed, quienes parecen estar cantando en la misma frecuencia, sólo que con más guitarras. Por lo demás, la selección de rolas de estas bandas es buena sin caer en lo magnífico, y muy probablemente el único sencillo sea el tema de los Goo Goo Dolls, una baladita alternativa; ya saben, la fórmula que los ha hecho famosos y no les falla. La misma fórmula usan los finlandeses de HIM.
Sin embargo, tras la aparición de Taking Back Sunday, todo se vuelve un revoltijo de canciones estilo emo muy parecidas entre sí (el vocalista de Idiot Pilot sacrifica su excelente voz grave para gritar a gusto) con sólo un respiro en el medio: el rap de Styles of Beyond con Mike Shinoda, que no termina de añadir nada nuevo.
El viajecito termina con un tema de Transformers muy “moderno” que pasa sin pena ni gloria. En fin. Algunas canciones se oyen mejor en el cine, y, a diferencia de las películas ochenteras (oh, ironía) que definen sus bandas sonoras con una canción verdaderamente memorable (¿qué tal “Hungry Eyes” de Eric Carmen en <em> Dirty Dancing</em>?) en esta película, eso no sucederá.

Satisfaction: 40%

Recomendaciones:

-Si te gustó la película, o te gustan los Transformers, pero EN VERDAD no le prestaste atención a la banda sonora por estar viendo los robotitos y te choca el mentado rollo emo, no te le acerques a este disco.
-Si eres emo de corazón, aunque no te interesen los Transformers, el disco sí lo hará, y quizá se vuelva de tus favoritos.
-Y si llegó a tus manos por alguna extraña razón… o en verdad te vieron muy fan de los Transformers… o deberías quitarte el copete emo.

 Varios artistas, The Best Air Guitar Album in the World… Ever!

Para los no iniciados: ¿saben lo que es la air guitar? Simplemente, la guitarra que todo el mundo puede tocar, la lira imaginaria que borra los límites entre el escenario de nuestra mente y nuestro cuarto. Y esta recopilación, que fue sugerida por el mismísimo Brian May, está dispuesta a jugar con el rockstar que todos llevamos dentro, regalándonos una colección de los riffs más memorables en la historia del rock.
Con Brian May metido en la sopa, Queen son los encargados de abrir y cerrar este disco doble, con “Tie Your Mother Down” y “Bohemian Rhapsody” (a headbangear se ha dicho!) respectivamente. Lo demás basta para poner los dedos en movimiento: el histórico riff de “Smoke on the Water”, el surf de “Wipeout”, el veneradísimo Chuck Berry con “Johnny B. Goode” y hasta la leyenda de Dick Dale y su “Misirlou”. Eso por citar sólo algunas cosas, aunque si alguien busca algo más bien pesadón, pues está la tremenda guitarra de Brian Molko en “Nancy Boy” de Placebo y los incomparables Motorhead, a toda velocidad con “Ace of Spades”. Y, obviamente, hace su aparición el casi-dios Hendrix con “Voodoo Chile”.
Sin embargo, hay algunas que podemos decir que fueron simplemente afortunadas de entrar a la recopilación. Por ejemplo, un guitarrista de la talla de Jeff Beck se antoja débil con “Hi Ho Silver Lining”, haciendo que se nos antoje más su “Beck’s Bolero”. Asimismo, “Secret Machine” de Hawkwind, es simplemente demasiada distorsión como para que alguien quiera tocarla. Y, en el afán de abarcar muchas rolas, “Layla”, el canto de amor épico de Derek and the Dominoes, se ve pasado a tijera, dejando fuera el final con el piano.
Mas estos detallitos no le restan energía a esta colección de canciones, de guitarristas para guitarristas. Una excelente opción.

Satisfaction: 93%
Recomendaciones:

-Cualquier guitarrista debe de tenerlo, simplemente por el gusto de poder escuchar e imitar excelentes canciones en guitarra.
-También es una excelente opción para cualquier guitarrista principiante. Así, puedes ir viendo las canciones que te gustaría tocar.
-Es el regalo perfecto para cualquiera que ame la guitarra y que no se atreva a tocarla. Al fin y al cabo, ¿quién nota los errores en una air guitar?
-Hasta a los iniciados en el rock les sirve. Da un panorama muy amplio del buen rock.
-Aunque si eres la vecina que lo que más desea es que el pobre músico que vive debajo de ti se calle…este disco te hará pasar lindos y escandalosos momentos. Buena suerte.

James Blunt, All the Lost Souls

Cuando un muchacho tiene el vino triste, tal parece que nada funciona, ni las toneladas de dinero, ni las fans enloquecidas, ni las novias checas que además son modelos. Así, el inglés James Blunt nos entrega en este nuevo álbum, si bien no la melancolía de las relaciones fallidas que permearon el debut Back to Bedlam, ahora la nostalgia, ya sea de la vida que ha cambiado con la fama (la bellísima “One of the Brightest Stars” y “Annie”) o en general; como diría el escritor Alessandro Baricco: “Morir de nostalgia por algo que no vivirás nunca” (sólo basta el sencillo “1973″).
A grandes rasgos, el disco parece ser más de lo mismo: baladas acústicas. Sin embargo, Blunt ha evolucionado y ha incorporado guitarras eléctricas, lo que vuelve a varias canciones más rítmicas (la ya mencionada “1973″ y “Give Me Some Love”) y a otras les añade nuevas texturas (”Shine On”).
Las letras siguen siendo de lo mejor: directas y absolutamente sinceras. Es más, cuando el disco parece flojear y volverse hasta un poco reiterativo con “Annie”, las palabras siguen manteniéndose a flote por sí solas.
Un muy buen disco, mejor que el Bedlam en su totalidad, aunque no parece que tenga un sencillo que se dispare al nivel de la ya clásica “You’re Beautiful”, aunque la sentidísima “I Really Want You” hace su luchita. Podemos afirmar que James Blunt es un cantautor con muchísimo potencial y esperemos que nos siga dando lata varios discos más.
Satisfaction: 91%
Recomendaciones:

-Si te gustó el disco anterior de James Blunt (y me refiero al disco completo, no solamente “You’re Beautiful”) debes comprar este nuevo material.
-Si pensaste que el Back to Bedlam era aburrido porque las canciones acústicas se parecían mucho entre sí, este disco te ofrecerá nuevos sonidos.
-Si ignoraste a James Blunt con su debut porque pensaste que era otro producto de los medios tipo Britney y que no iba a durar nada, este es un buen momento para darle una oportunidad. Te sorprenderás.
-Si eres un sentimental empedernido y por alguna extraña razón no has oído hablar de James Blunt, cultívate, rápido.
-Aunque si eres de los que se pasan de rudos… quizá consideres a este chico un chillón. No es buena idea que lo escuches.